MusicInTouch 06

06 MERCOLEDI 07 GIOVEDÌ ORE 18.00 – 20.00 Cripta di San Domenico

JUKEBOX: Stefano Casta, Gianluca Erriu, Roberto Follesa, Massimo Gasole, Stefano Guzzetti, Andrea Laconi, Ivano Lobina, Andrea Murgia, Matteo Sedda, Alessio Sanna, Matteo Sanna, Roberto Sciola, Carlo Solinas, Marco Zuncheddu

VIDEOLIGHT: Elio Martusciello, Roberto Musanti

AUDIOVIDEO: Marco Meloni, Mauro Mulas, Antonello Mura, Alessandro Olla, Daniela Zedda

INTERACTIVEVIDEO: Marco Angioni, Lidia Casti

FILM: Gramma di Gregory Petitqueux e Tuia Cherici

ORE 20.00 – 23.00

AUDIOPERFORMANCE: IvanaBusu,NicolaCogliolo,AlessandroAtzori,GianniDelogu

ACUSMATICAREA: Ivana Busu, Roberto Follesa

VISUAL: Creme Brulee, Federico De Virgilis VJ ics, O00O, Signora Franca

LIVEACT: ArpXP, Bone Machine, Frichi, Moduli Moderni, Neeva, Pablo Sole, Plastik Kettle, Alessandro Pintus, Agostino onnis, Signora Franca, Simone Piras, Tommaso Casula

08 VENERDÌ ORE 11.30-13.00 Cripta di San Domenico

FROM THE OUTSKIRTS OF NOTHING TO THE SUBURBS OF THE VOID seminario a cura di Thomas Köner

ORE 21.00 FROM THE OUTSKIRTS OF NOTHING TO THE SUBURBS OF THE VOID

audiovisual live performance, Thomas Köner

09 SABATO ORE 11.30-13.00 Cripta di San Domenico

ENAUBOCI – ESERCIZIO DI COMBINAZIONE INTORNO AL SISTEMA TRILITE seminario a cura di Alessandro Carboni e Danilo Casti

ORE 21.00 ENAUBOCI 24 CICLI SULLA VERTIGINE DEL TEMPO E LA TENSIONE DEL CAMBIAMENTO Progetto: OOFFOURO/N.P.A Officina Ouroboros Coreografia e danza: Alessandro Carboni Musica e paesaggi sonori: Danilo Casti

06 MERCOLEDI 07 GIOVEDÌ Cripta di San Domenico ORE 18.00 – 23.00

JUKEBOX OPERE ELETTROACUSTICHE Sara Aresu, The Tourist Stefano Casta, Limbo Gianluca Erriu, Piano Zone Roberto Follesa, Soft Play Massimo Gasole, Berlin Stefano Guzzetti, Stanza n° 1 Andrea Laconi, opera elettroacustica Ivano Lobina, Zona sottile

Andrea Murgia, LDM Matteo Sedda, The Pipeline suite Alessio Sanna, HE2 Matteo Sanna, Gestuale Kitchen Roberto Sciola, Mecc(anima) Carlo Solinas, Sampling Marco Zuncheddu, Ambientazione di organismi sintetici

VIDEOLIGHT Elio Martusciello, Aesthetics of the machine Roberto Musanti, Timeshift

AudioVideo Marco Meloni, The Subworld Mauro Mulas, Vettore Antonello Mura, Stomatosound Alessandro Olla, Invisibile Lands Daniela Zedda, Fasce Sonore

INTERACTIVEVIDEO Marco Angioni, La scatola tecnologica Lidia Casti, MusicInTouch05

Film Gregory Petitqueux, Gramma

ORE 20.00 – 23.00

AUDIOPERFORMANCE Nicola Cogliolo, Game Lan per percussioni e suoni elettronici, Alessandro Atzori, percussioni GianniDelogu, Performance1,perdispositivielettronici, a cura di Gianni Delogu e Ivana Busu

ACUSMATICAREA IvanaBusu,ApropositodiCooper, operaacusmatica Roberto Follesa, Resonancitymozart, opera acusmatica

VISUAL Creme Brulee, Federico De Virgilis, O00O, Signora Franca

LIVEACT ArpXP, Bone Machine, Frichi, Exagonal rooms, Moduli Moderni, Neeva, Pablo Sole, Plastik Kettle, Signora Franca, Agostino onnis, Alessandro Pintus, Simone Piras, Tommaso Casula

08 VENERDI Cripta di San Domenico ORE 11.30 – 13.00

From the outskirts of nothing to the suburbs of the void Seminario a cura di Thomas Köner

ORE 21.00

From The Outskirts Of Nothing To The Suburbs Of The Void Audiovisual live performance, Thomas Köner

Education: 1965 born in Bochum, Germany 1985-1990 studying electronic music at CEM Studio, Arnhem 1987-1992 Conservatory of Music, Dortmund 1992-1994 Avid Operator, cutter- and soundassistant, Ruhr Sound Studios, Dortmund 1995 – working as independant artist with sound, installation, film, music, video, theater and radio art. Awards (selection): ARCO Award Best Young Artist at Arco, Feria International de Arte Contemporaneo Madrid 2005 Transmediale.05 Award, International Media Art Festival, Berlin 2005 Ti- ger Cub Award, International Filmfestival Rotterdam 2005 Golden Nica, Prix Ars Electronica, Linz 2004 German Sound Art Award Deutscher Klangkunst- Preis / Produktionspreis WDR, Marl 2004 Laureate, BBI Creation Contest, Fribourg 2004 Norman Award, Filmwinter Stuttgart 2004 New Media Prize, Montreal 2000 Permanent installations: Musée Rimbaud / Maison Rimbaud, Charleville-Mézières Commissioned works: 1998 Musée National d’art mo- derne, Paris 2001 Centre d’art contemporain, Rennes 2004 Musée Rimbaud, Charleville-Mézières Exhibitions (selection): 2000 Sonic Boom Hayward Gallery London. 2004 Regarder, observer, surveiller Séquence Galerie Chi- coutimi (Canada). Cyberarts Center for Contemporary Art, Linz. SoundART Art-Cologne, Cologne. German Sound Art Award Skulpturenmu¬seum Marl. 2005 Gallery 44 Centre for Contemporary Photog¬raphy, Toronto. Climax National Taiwan Museum of Fine Arts, Taichung. disappear Kun- stpavillion Innsbruck. The Pantagruel Syndrome, Museo d’Arte Contempo- ranea Castello di Rivoli. 2006 Thomas Köner: Intégrale vidéo Musée d’art contempo¬rain, Montreal. EXCES Kunstencentrum Z33, Hasselt. Iconica Mu- seo de Arte Contemporaneo Patio Herreriano, Valladolid. Video-Kunst-Preisnium Museum, Beijing. Nuevos Misticos/New Mystics Instituto Cabrera Pinto, Tenerife. FRAC Limousin, Limoges. LichtRouten, Lüdenscheid. Work in public collections (selection): Centre Pompidou Musée national d’art moderne Paris Fundacio La Caixa, Barcelona Musée d’art contemporain Montreal F.R.A.C., France Communidad Madrid Collection Live-Performance (selec- tion): 2000 Louvre, Auditorium Paris. 2001 New Zealand Film Festival. Musée d’art moderne Strasbourg. Filmfestival Rotterdam. 2002 Kunsthalle Schirn Frankfurt. La Biennale Filmfestival Venice. Walker Art Center Minneapolis. Stedelijk Museum Amsterdam. Liquid Architecture Festival Melbourne. Cen- tre Pompidou Paris. 2003 Musée d’art contemporain Montreal. Spiral Hall To- kyo. Tmuna Theater Tel Aviv. NYYD Festival for New Music Tallinn. 2004 Musée d’Orsay Paris. Festival de Carthage Tu¬nis. SONAR Festival Barcelona. Ars Electronica Linz. 2005 La Biennale di Venezia, Teatro La Fenice. Palais des Beaux-Arts Bruxelles. Serral¬ves Museum Porto. Dissonanze Festival Rome. Electrograph Festival Athens. 2006 Tsuda Hall Tokyo. Museo Nacional Rei- na Sofia Madrid. Louvre, Auditorium Paris. Bienal de Performance de Chile Santiago. Atlantic Waves Festival London. Hamburger Bahnhof Berlin. Guest lectures & workshops (selection):1998 Keio University Arts Center, Fujisawa. 2000 University of Traditional Music Theatre, Beijing 2003 Musashino Art Uni- versity, Tokyo. 2004 Dutch Art Institute, Enschede. 2004 Musrara School of Photography, Jerusalem. 2005 Hyperwerk, Basel. 2006 CalArts, Los Angeles. Artist residencies: 2001 Cité Internationale des Arts, Paris. 2006 Villa Aurora, Los Angeles. Radio art: 2001 Radio France, 2004 & 2005 Deutsch- landradio Kultur 2006 Westdeutscher Rundfunk WDR, Theatermusic: 1997 Krieg, Rai- nald Goetz, Schauspielhaus Dortmund, Discography: since 1990 releases on more than 70 CD. Remix (selection): 1999 Nine Inch Nails Remix for Nothing Records / Interscope 2002 Claude Debussy Remix for Universal Music 2003 ISIS Remix for Hydrahead Records.

09 SABATO Cripta di San Domenico ORE 11.30 – 13.00

Enauboci – Esercizio di combinazione intorno al sistema trilite seminario a cura di Alessandro Carboni e Danilo Casti

ORE 21.00

Enauboci – 24 cicli sulla vertigine del tempo e la tensio- ne del cambiamento

Progetto: OOFFOURO/N.P.A Officina Ouroboros Coreografia e danza: Alessandro Carboni Musica e paesaggi sonori: Danilo Casti Assistenza e tecnico luci: Cinzia Nieddu Produzione: N.P.A Officina Ouroboros 2006

ENAUBOCI – 24 cicli sulla vertigine del tempo e la tensione del cambiamen- to, è un esercizio di combinazione. All’interno di uno spazio fisico combiniamo in real time “elementi” sonori e movimento contenuti all’interno del Sistema Trilite, la tavola metodolo- gica su concentriamo tutte le nostre pratiche. Durante l’esercizio, non ci dirigiamo verso la fine dell’azione come vorrebbe il nostro destino, ma ci concentriamo su ogni istante che che ci attraversa, su ogni istante che na- sce e subito muore. E’ come trovarsi sopra una canoa e scendere giù per un fiume. Un approccio che è ben diverso da stare sulle sponde del fiume e osservare lo scorrere dell’acqua. Cavalcando il tempo, senza prevedere niente, persino l’istante, combiniamo elementi sotto forma di Stringhe. Le Stringhe sono delle lunghe catene di elementi combinati, come agglome- rati simili ad atomi, Noi siamo come una calamita che attraversa un piano di metallo, con della polvere in ferro, in cui la scena è il piano e gli elementi sono le particelle che fluttuano e si poggiamo su questo piano. Gli elementi hanno una forte autonomia, una sorta di energia autonoma, che a volte vanno fuori del nostro controllo. Si respira una condizione di incertezza, di pericolo, in cui gli elementi ribaltano la nostra l’intoccabile sovranità compositiva, come dei demiurghi della scena. Durante lo scorrere dell’esercizio, siamo soltanto parte di un flusso caotico di combinazioni di elementi, in cui non cerchiamo una esaustiva struttura narrativa, ma, obbligati a com- petere con il caso, cerchiamo di esaurire le possibili combinazioni tra gli elementi. Siamo lo spazio, la casella mancante di una complessa struttura molecolare proiettata nel tempo. Il processo è alchemico-magnetico-ne- cessario. Ogni prova risulta essere unica e irripetibile.

JOKEBOX

Sara Aresu, The Tourist, per suoni elettronici Nata a Cagliari nel 1977, ha sempre nutrito una sfrenata passione per l’arte e per la musica. All’età di 19 anni inizia la sua attività musicale da autodidatta con il canto, facendo parte di alcune band dell’ambito pop-rock con le quali si esibisce in vari con- certi e festival. Dal 2002, dopo l’acquisto della prima chitarra elettrica e alcuni effetti analogici, sviluppa un forte interesse per la ricerca sonora e la musica elettroacustica. L’ esperienza come performer inizia nel 2004 nell’ensemble elettroacustico“Moex” e partecipa a numerosi eventi tra i quali “Aleph” (2005), sonorizzazione del Santuario nuragico di Serri organizzato e diretto da Victor Nubla e Alessandro Olla e, in collabo- razione col Time in jazz, la performance “Suoni in transito” (2006), sonorizzazione di un treno in movimento. Nel 2005 partecipa col progetto in duo “Electrified Ether”, insieme a Simone Balestrazzi, al Lem Festival di Barcellona. La collaborazione con Balestrazzi inizia però nel 2004, come chitarrista nel progetto T.A.C.

Stefano Casta, Limbo, per suoni elettronici Nato a Oristano il 15.03.78. Ha studiato chitarra classica sotto la guida del M° Ivo Zoncu prima, e del M° Danilo Leggeri poi. Ha seguito corsi di perfezionamento del M° Luigi Mazzullo e del M° David Russell. Ha svolto un’intensa attività come concertista, autore e produttore discografico collaborando con svariati artisti locali e non, tra i quali Bob Destiny, Lika Star, Lostark, Malinda Mai, Antonio Salis, Benito Urgu, Filippo Martinez.

Gianluca Erriu

Nato ad Iglesias il 16 ottobre 1981 è iscritto all’ultimo anno del corso di laurea in “Musi- ca e nuove tecnologie” presso il Conservatorio di Cagliari. Frequenta il decimo anno del corso di Pianoforte nello stesso conservatorio. È laureando nel corso di psicologia dell’università di Cagliari. È presidente e direttore artistico dell’associazione Ente Con- certi “Giovani” di Iglesias. È socio fondatore dell’associazione culturale “Logos” di Igle- sias, con cui collabora come musicista nelle manifestazioni e attività. Ha collaborato per l’evento live del maestro Alvin Curran partecipando come strumentista al Concer- to “Nora sonora”, presso il sito archeologico di Nora – Cagliari. Ha partecipato come Maestro Collaboratore al Corso di Perfezionamento “Incontri musicali di Carloforte” VI edizione esibendosi nei concerti con stumentisti di fama internazionale.

Piano Zone, per suoni elettronici

Il materiale sonoro del pianoforte è stato composto seguendo tre direttrici : 1. Pianofor- te suonato in maniera tradizionale e registrando note singole e accordi, 2. Pianoforte percosso nella zona del legno e dell’arpa, tenendo il pedale di risonanza premuto, 3. Pianoforte suonato con le dita sulle corde (opportunamente protette per evitare fenomeni di ossidazione). Per quanto riguarda il materiale di sintesi ci sono state le seguenti generazioni 1. Sinusoidi sovrapposte secondo leggi armoniche; 2. Rumore bianco filtrato in determinate frequenze. “Piano Zone” è un brano basato sullo studio del materiale sonoro di pianoforte. La registrazione è stata effettuata con due microfo- ni pencil a condensatore posti in configurazione XY. Sono presenti alcuni suoni di sintesi, generati a partire da sinusoidi e rumore bianco. Il brano dura 1’40’’. Il tipo di musica di riferimento è la glich music, in quanto c’è la volontà di far sentire i tipi di elaborazione effettuati, e l’andamento dei temi è sempre molto frammentario e procede per episo- di distinti. Sono presenti oggetti sonori di diversa natura, in generale sono più evidenti quelli di fattura puntuale e di massa complessa per quelli in primo piano, e di fattura continua e di massa tonica per gli sfondi. I gruppi di click sono oggetti di accumulazio- ne che però si interrompono abbastanza presto, mentre sono usati spesso i frammenti di altri oggetti esposti in precendenza. Anche entretien si differenzia tra figura e sfon- do, in quanto le figure normalmente non hanno tenuta (impulsi) o hanno una tenuta iterativa. Mentre lo sfondo è quasi sempre a tenuta continua. Lo sviluppo del suono e composito, anche se a volte sono presenti ripetizioni. Nell’ultima parte sono stati inseriti volontariamente “incidenti” che richiamano errori di elaborazione o difetti dei suppor- ti. La grana del materiale pianistico è quasi sempre armonica e liscia, mentre i gruppi di click e gli shake hanno grana molto più frammentata e ruvida.

Roberto Follesa, Soft Play, per suoni elettronici Nato il 04/03/1983 é un giovane musicista, compositore e pittore. Diplomato presso il liceo artistico di Cagliari continua i suoi studi presso il conservatorio di musica e at- tualmente frequenta il corso di laurea in “musica e nuove tecnologie”. Egli compone sia musica elettroacustica, ispirandosi prevalentemente alla glitch music, che musica pop, soul e r&b. Inoltre, opera nell’ambito della registrazione e della progettazione so- nora. Sue composizioni sono state diffuse in rassegne di musica elettroacustica come: “filosofia dell’ascolto” all’università di lettere e filosofia, “musica acusmatica sul tema Mozart” nel museo archeologico nazionale, “ime-e” alla chiesa di S. Maria Del Monte, ecc.

Massimo Gasole, Berlin, per suoni elettronici Berlin non nasce da una logica descrittiva, non si tratta di un lavoro in cui i suoni esisto- no e interagiscono tra loro al fine di dar forma a una precisa o astratta immagine men- tale, non vuole essere un percorso immaginario che conduca l’ascoltatore lungo le strade di Berlino. Berlin nasce durante un viaggio… è l’idea nata in un viaggio, e come un viaggio parte da un punto preciso e tutto ciò che accade in seguito dipende da ritardi, coincidenze, e dalla voglia di scoprire nuovi suoni, attraversare confini, vivere nuove coivolgenti esperienze percettive. “

Stefano Guzzetti

Nasce a Cagliari nel 1972. Inizia ad interessarsi al mondo dell’elettronica e della musica già dai primi anni ‘80, facendo interagire il suo fido computer MSX e l’organo elettroni- co del salotto di casa. Nel 1989 programma il suo primo sequencer e da allora non ha mai spesso di interessarsi alla sua più grande passione, ovvero la musica elettronica. E’ attualmente studente al secondo anno del corso di Musica e Nuove Tecnologie presso il Conservatorio di Cagliari.

Stanza n.1, per suoni elettronici

In un posto indefinito, al centro di un grande campo, c’è una stanza dentro le cui mura vive uno scrittore. Egli è affacendato a creare uno scritto memorabile, ma qualcosa lo disturba; anche oggi il vento si sta impegnando per distrarre la sua vittima quotidiana. Il nostro artista apre la porta e si affaccia sul campo; davanti a lui si staglia un gruppo di voci che si librano per aria, cantando liberamente nel vento. Individuata la fonte dei propri problemi, egli rientra nel suo covo, chiudendosi la porta alle spalle e non rendendosi conto di essersi portato dietro un gruppetto di voci. La stanza è uno spazio troppo piccolo per delle creature abituate a volare liberamente; esse iniziano a vocia- re all’impazzata, sempre più forte… un caos assordante si impadronisce della stanza e tutto esplode. Un altro microcosmo è andato perduto… Con questo pezzo di natura elettroacustica ho voluto creare un quadro virtuale dove venissero esplicati i concetti di gesto e tessitura, dando anche particolare importanza a elementi come lo spazio e lo spettro frequenziale. Il GESTO inteso come qualcosa che esprima una certa fisicità e irruenza, costituito da una fase di carica e di rilascio, è qui presente sotto forma di suoni che richiamano alla mente esplosioni, aperture e chiusure di porta, macchine da scrivere ecc. Ho preferito però non avvalermi di materiali sonori direttamente apparte- nenti ai fenomeni appena citati, bensì di ricercarli con altre fonti. Ho quindi optato per un uso alternativo delle fonti, decontestualizzandole, portandole via dal loro campo timbrico comunemente inteso e cercando di dare loro un nuovo significato. Per quan- to concerne la TESSITURA ho voluto creare qualcosa che non si ripetesse in loop, in maniera meccanica e prevedibile, ma fosse quasi la riproduzione di un ambiente. Ho quindi usato fonti sonore della natura più disparata, stando attento a non dare vita a reiterazioni e cercando di definire un assetto ‘ambientale’ da associare a una stanza, in questo caso quella dello scrittore. Nel creare questo pezzo ho anche voluto dare importanza al concetto di SPAZIO; ho quindi usato del riverbero per dare all’ascolta- tore la sensazione di trovarsi in un grande luogo aperto, come quello in cui si affaccia il protagonista del quadro da me descritto. Anche l’uso di oggetti sonori come voci dalla durata prolungata mi ha aiutato a creare questo senso di profondità. Nel volere ottenere questo mi sono anche avvalso dell’uso di oggetti che ciclicamente andas- sero da un canale all’altro nel campo stereo. Questi non sono intesi come elementi tessiturali ma come suoni che, nel loro girare e fluttuare, descrivono ulteriormente una certa spazialità, dando quindi al pezzo anche una sorta di ‘respiro’. Ho infine cerca- to di avere la massima cura nell’ottenere uno SPETTRO FREQUENZIALE completo. Per questo ho usato oggetti sonori dotati sia di frequenze basse e cupe che alte e brillanti, senza trascurare quelle medie.

Ivano Lobina

Nasce in Sardegna nel 1964, inizia i suoi studi musicali al conservatorio di Cagliari dove si diploma in Viola nel 1989. Si avvicina al mondo della musica contemporanea fre- quentando per qualche periodo la classe di composizione di Franco Oppo, ma non andrà avanti in questa direzione e si dedicherà prevalentemente all’attività strumen- tale collaborando con diverse orchestre e gruppi cameristici. L’interesse e la passio- ne per la composizione e la “nuova musica” sono tuttavia sempre vivi e trova stimoli importanti dalla frequentazione di personalità isolane che operano nel settore. Con alcune di esse ha modo di riprendere e approfondire il discorso compositivo nonché di avvicinarsi ai nuovi mezzi offerti dalla tecnologia e deciderà di iscriversi al corso di Musica e Nuove Tecnologie al Conservatorio di Cagliari dove avrà modo di cimentarsi e lavorare concretamente con questi mezzi.

Zona sottile, per suoni elettronici

Il brano è costituito da una tessitura sulla quale si articolano diverse gestualità combi- nate fra loro. Ho realizzato la tessitura utilizzando 4 tipi di frammenti di suono estrapolati da un canto gregoriano. Nel dettaglio: Frammenti di respiri che precedono l’attac- co del suono, Frammenti in cui i cantori pronunciano la N, Frammenti in cui i cantori pronunciano la S, Frammenti in cui i cantori pronunciano la sillaba NO. Ho preso poi il gruppo dei frammenti di respiri, li ho disposti sul multitraccia secondo il seguente sche- ma: Ho eseguito la stessa operazione con ognuno degli altri gruppi di frammenti ed ho trattato le tracce ottenute con diversi plug-in (pitch, filtri, reverse). I suoni utilizzati per le gestualità li ho registrati e poi manipolati. Nel dettaglio: il suono che provocano le cuf- fiette stereo lasciate cadere sulla tastiera del computer e poi trascinate, il suono otte- nuto agitando un barattolo di latta contenente delle monete il suono di un accendino tenuto di taglio su un piano poi lasciato andare e oscillare Ho trattato questi suoni con dei filtri in modo da renderli non direttamente riconducibili alla fonte che li ha generati, poi ho modificato le tracce ottenute applicando dei reverse, alcuni pitch e dei filtri. Per la costruzione del pezzo ho dapprima disposto il materiale del primo gruppo sul multi- traccia ed ho operato delle variazioni portando gradualmente il livello del dB verso lo zero in una traccia e aumentandolo da zero in su quello di un’altra, e cosi di seguito. Ho ottenuto cosi una tessitura che sfrutta prevalentemente il registro grave con un ca- rattere lento e trascinato della durata di 5 min. e 20 sec. Su questo sfondo ho inserito le parti gestuali scegliendo di farle coincidere con quei momenti nei quali si verificavano dei cambiamenti ed ho trattato le stesse con la tecnica adottata per la tessitura, ovve- ro trattandole a scomparsa e ricomparsa. Altri piccoli oggetti li ho ottenuti amplifican- do frammenti di suoni che non avrebbero risaltato senza questo trattamento, come per esempio quello che appare a 0,59 sec. e ricompare a 1,37 e a 3,12, o quello di 1,15 di 1,46 – 2,38 –3,30 – 5,02. Una descrizione sommaria del brano potrebbe perciò essere la seguente: Nei primi 33 secondi viene introdotta la tessitura, subito dopo appare un altro elemento che introduce la prima gestualità evidente e la tessitura si arricchisce di un elemento nel registro medio-acuto. A circa 45 sec. appare un gesto molto freneti- co, quasi elettrico, che dal canale sinistro passa gradualmente a quello destro per poi riapparire verso i 55 secondi a destra ma questa volta senza spostarsi. A 58 secondi riappare la prima gestualità seguita da uno dei frammenti amplificati che ho descritto precedentemente a cui poi si sovrappongono i gesti frenetici. A 1,23 appare di nuovo la prima gestualità ma questa volta è dilatata e riappare ulteriormente modificata a 2,26 e a 3,13. L’intreccio e l’intensificazione degli elementi presentati non arriva però mai ad un culmine sonoro che viene forse preannunciato ma sempre disatteso, come qualcosa che cerca di farsi spazio ma rimane relegata in un ambito ridotto dal quale non riesce ad uscire. Si arriva fino a circa 3,40 dove appare evidente l’impossibilità di raggiungere il culmine e la tessitura prevale sulla gestualità. A 4,08 il gesto frenetico preannuncia la conclusione ed il brano termina ripresentando la prima gestualità a 5,11 (preceduta da un altro dei suoni amplificati di cui sopra) leggermente dilatata quasi fosse stanca di continuare a provare ad esprimersi.

Andrea Murgia LDM, per suoni elettronici LDM è una composizione nata durante la primavera 2006 e l’estate 2006, ultimata ad Ottobre 2006. Sono stati utilizzati principalmente 5 oggetti sonori che sono: un suono sintetizzato di tipo tessiturale manipolato con filtri di equalizzazione, riverbero e proces- sori di dinamica. Il suono è stato ottenuto attraverso la manipolazione di due oscillatori. Chiamerò questo oggetto come: sinth. Un suono sintetizzato di tipo gestuale e puntilli- stico. E’ stato attenuto attraverso l’uso di una Keyboard che trasmetteva il segnale midi su un software di sintesi. Anche esso è stato manipolato attraverso filtri di equalizzazione compressione e reverbero su due oscillatori. E’ un suono di tipo percussivo. Chiamerò come: gocce, il terzo oggetto sonoro è stato ottenuto attraverso la registrazione con un microfono di una busta di plastica. E’ stato manipolato anche esso con dei Filtri HPF enfatizzando alcune frequenze proprie dell’oggetto sonoro, frequenze che hanno un range di medio acute. Chiamerò questo suono: noise. Il quarto suono è stato prodotto tramite la registrazione con un microfono di una ventola posizionata su una scatola di metallo, è stato manipolato e riverberato enfatizzando alcune frequenze medio acute per risaltare delle componenti armoniche prodotte dall’acustica del materiale di me- tallo. Chiamerò questo oggetto : ventola. Il quinto oggetto sonoro è stato ottenuto an- ch’esso tramite la registrazione con un microfono di un battito di mani. Questo oggetto sonoro si ripete più volte durante la composizione ma con manipolazioni completa- mente diverse. Sono state utilizzati filtri di equalizzazioni come LPF, compressione, rever- bero, pitch, stretch. Chiamerò questo oggetto: clap. La composizione inizia con un fade in del primo oggetto sonoro, appunto sinth, che durerà fino a circa 45 secondi. Al nono secondo subentrano le gocce che in modo aleatorio si pongono su un piano diverso rispetto al sinth. Le gocce proseguiranno in questa prima fase fino a circa 45 secondi. Al secondo 20 si introduce un nuovo oggetto sonoro non nominato in precedenza poiché questo oggetto sonoro apparentemente singolo e situato su un altro piano intermedio ri- spetto al sinth e alle gocce, è stato ottenuto attraverso una automazione manipolando la gamma di frequenza del sinth, enfatizzando una frequenza con una campanatura [ Q ] molto stretta e creando un movimento che parte dai 20 Hz fino ai 20000 Hz passando per tutte le frequenze. Al 31’’ si introduce il terzo oggetto cioè il noise, con un fade in che proseguirà fino al 1,44 minuti, farà da tessitura alle fasi successive della composizione. La prima fase si chiude con l’introduzione del clap, che in questo punto e stato manipolato attraverso un filtro passabasso LPF e con un riverbero anch’esso manipolato con un filtro LPF, il reverbero ha un decadimento molto lungo che termina a circa 1 minuto della composizione. A circa 1,09 min ricompaiono le gocce che proseguiranno per circa un minuto. In questa fase vede ricomparire anche il sinth in più punti, il primo tra il 1,14 e il 1,23 min , il secondo tra 1,32 e 1,38 min , il terzo tra 1,44 e 1,55 min. Al minuto 1,55 si introduce un nuovo clap questa volta ottenuto attraverso lo stretch dello stesso, filtrato confiltri HPF e LPF reverberato con un decadimento molto lungo e con l’aggiunta di un effetto feedback sul reverbero stesso ottenuto tramite l’aggiunta dello stesso in insert. Il sinth ricompare tra 2,01 e 2,07 min . Chiude questa fase un clap manipolato con un filtro LPF senza reverbero per dare un effetto cosiddetto DRY (secco) che introduce nuova- mente il noise con una dinamica più presente rispetto a prima in maniera tale che si crei un altro piano sonoro. Al minuto 2,11 si introduce la ventola che crea anche essa assieme al noise una tessitura ma su un piano inferiore rispetto al noise. La ventola pro- seguirà fino alla fine della composizione mentre il noise terminerà al minuto 2,45 . Fanno la ricomparsa le gocce al minuto 2,30 e proseguiranno fino alla fine della composizione. Anche il sinth fa la sua ricomparsa in due punti: 2,39 fino al 2,41 e 2,51 fino alla fine.

Matteo Sedda The Pipeline suite, per suoni elettronici Il lavoro presentato consiste in un estratto dalla “suite” di musica elettronica, intitolata “The Pipeline suite” la traccia scelta si chiama “E.N.I.A.C. can speak” citazione al co- lossale calcolatore americano del 1945.A partire dai anni 50 in poi si creò il mito della macchina pensante un essere che finisce col reagire al proprio creatore in maniera distruttiva e talvolta disumana:ricordate Hal 9000 il computer di 2001 Odissea nello spazio?Lo scenario in cui è ambientato in un immaginario e sinistro mondo sotterraneo nelle viscere della terra a cui ci si arriva attraversando realtà agghiaccianti e scopren- do infine l’esistenza di un entità non tanto superiore quanto fuori controllo. E se questo mondo fosse solamente un percorso mentale e il tutto fosse confinato esclusivamente nella nostra testa?

Alessio Sanna HE 2, per suoni elettronici HE 2 In questo lavoro della durata di 1.48” sono presenti sia suoni naturali che di sin- tesi. Mi sono avvalso di suoni prodotti da me quali, ad esempio, vocalizzi, sfregamenti rumori percussivi su un microfono (Shure SM 58 Beta), timbri generati da sintetizzatori analogici (Moog Prodigy, Korg MS 20) e digitali (Yamaha SY 85, Mellowtron software) e campionamenti di rumori particolari come ad esempio quello di uno smeriglio usato su un tubo di metallo. Più di rado ho utilizzato delle sinusoidi prodotte dal software e che ho sovrapposto a vari oggetti sonori per aumentarne la ricchezza frequenziale, la profondità, la qualità generale. Ho adoperato spesso e su quasi tutti gli oggetti sonori un equalizzatore grafico, associato talvolta ad un moderato uso di vari tipi di riverbero (hall, room, canyon, ecc.) per creare profondità e definizione di un oggetto sonoro rispetto ad uno o più oggetti sonori sovrapposti. Il mio obiettivo è stato quello di otte- nere più “strati frequenziali” fatti di gesti dal timbro granulare ora in evidenza rispetto a tessiture più calde, ora modificati ed usati essi stessi a loro volta come tessiture in se- condo piano rispetto ad altri gesti e tessiture più evidenti. Tutto questo nel tentativo di rappresentare gran parte dello spettro sonoro percepibile dall’orecchio umano senza trascurare la brillantezza e la nitidezza del suono generale. Moderata la presenza di algoritmi non “trasparenti” e troppo evidenti quali chorus, flanger, delay e overdrive. Utilizzato decisamente con maggior frequenza uno stereo – pan al fine di creare movi- mento e spazialità. Talvolta è presente un reverse.

Matteo Sanna

Nasce a Cagliari nel 1980. Musicista autodidatta ha sempre dimostrato particolare interesse nella sperimentazione e nella manipolazione del suono, dapprima in maniera totalmente analogica attraverso vari dispositivi audio e successivamente con l’utilizzo del computer. Attualmente iscritto al Conservatorio di Cagliari frequenta il secondo anno del corso di Musica e Nuove Tecnologie.

Gestuale Kitchen, per suoni elettronici, è una breve composizione realizzata con mate- riale sonoro esclusivamente catturato in cucina ed avente come carattere principale la gestualità in contrapposizione e in associazione alla tessitura. Piccole improvvisazioni con schiaccia-patate, coltello elettrico, confezioni di pasta e stoviglie varie vengono trattate elettronicamente per comporre un “pasto speciale”. La rappresentazione gra- fica del gesto in apertura di composizione, mette in evidenza le componenti fonda- mentali nei vari momenti, le loro dinamiche e posizioni nel campo stereo.

Roberto Sciola

Inizia il suo percorso musicale come chitarrista e batterista, dopo la maturità in elettronica e telecomunicazioni si interessa sempre più a suoni non convenzionali e nuove sperimentazioni multimediali e decide di iscriversi in Musica e Nuove Tecnologie presso il Conservatorio di Musica di Cagliari in cui attualmente frequenta il secondo anno.

Mecc(Anima), per suoni elettronici, Il brano preso in esame è costituito principalmente da suoni di natura meccanica, da qui il nome stesso del brano; Ho voluto rappre- sentare un una specie di macchina che, in quanto tale è piuttosto ripetitiva ma pian piano sentiamo un crescendo, un qualcosa che si anima, un formicolio di suoni che si sviluppano diventando elettricità e movimento e alla fine sfociano in un “battito car- diaco” come se la macchina in qualche modo potesse illudersi di essere viva. Il brano è suddiviso principalmente in due parti: nella prima parte troviamo una struttura tessi- turale accompagnata da gestualità meccaniche ripetitive e facilmente riconoscibili, mentre la seconda parte è caratterizzata dalla presenza più continua di gesti la cui fonte è stata offuscata tramite vari algoritmi. Prendendo come esempio il capostipite della musica elettroacustica, Pierre Schaeffer possiamo classificare il brano come ap- partenente alla “musique concrete” poiché il metodo compositivo da me usato con- siste nell’ascoltare i suoni preesistenti e inserirli nel contesto in base alle loro sonorità. I gesti presenti appartengono principalmente a due surrogazioni. Da una classificazio- ne adottata da studiosi e compositori di musica elettroacustica i gesti possono infatti essere suddivisi in quattro surrogazioni: 1° suoni facilmente riconoscibili ma senza fini musicali; 2°suoni appartenenti a strumenti musicali; 3°suoni dai quali non si percepisce perfettamente la fonte da cui provengono ma è comunque intuibile; 4°suoni dai quali non è più possibile risalire alla fonte ma rimane l’energia interna del suono originario. Nella prima parte della composizione troviamo oggetti sonori che fanno parte del- la prima surrogazione e sono facilmente riconoscibili (suoni meccanici) mentre nella seconda ritroviamo gli stessi suoni iniziali che però vanno via via trasformandosi, attra- verso vari algoritmi quali pitch band e pitch shift, stretch, reverse, EQ e altri come ad esempio riverberi e delay, in surrogati del 4° ordine.

Carlo Solinas, Sampler per suoni elettronici Forse è un segno del destino, forse è solo una innata passione che trova il terreno ideale nel mondo dell’elettronica. “Se prima studiavo gli schemi elettrici ed elettronici ora studio il suono della musica elettroacustica”. Mi sono diplomato al Professionale di Cagliari in qualità di Tecnico dell’Industria elettronica, sono attualmente iscritto al terzo anno del Corso di Musica e Nuove Tecnologie. Il mio approccio alle applicazioni dell’elettricità ed elettronica nel settore dello spettacolo cominciò nel vedere qualche evento live, e di lì cominciai l’attenta osservazione del funzionamento degli impianti audio e luci. Un giorno mi proposero di far parte dello staff tecnico di una Compagnia teatrale, per portare in scena il famoso musical Jesus Christ SuperStar, dal vivo. L’idea mi interessò, infatti nel 1997 presso teatro Alfieri di Cagliari iniziò l’avventura in qualità di assistente tecnico, replicando anche all’Anfiteatro Romano di Cagliari, poi al Forte Vil- lage di Pula, nonché nell’ Aprile 1998 al Teatro Verdi di Sassari, e nel 1999 nuovamente a Cagliari al teatro Alfieri di Cagliari. Nel campo della fonica io mio interesse cresceva sempre più, chiesi a un tecnico Rai come si lavora su un banco di missaggio e nello specifico di uno studio di registrazione. Fui ospitato dalla regista Gabriella Rosaleva per la registrazione dell’ultima puntata “il nome della Rosa”. In quella occasione osservai come bisognava lavorare davanti ad uno sceneggiato. Quello che appresi in quella sera mi servì successivamente per la messa in scena di diversi musical, in quanto mi fu affidato il controllo radio-microfonico delle scene de“Il sogno di Giuseppe” di Pietro Castellacci e Giampaolo Belardinelli, opera esordiente che desta un vivo interesse per un soggetto biblico ricco di problematiche sociali di grande attualità. Collaborai anche alla registrazione per la produzione di un prodotto audiovisivo a cura delle Edi- zioni Paoline, che si tenne presso l’Auditorium Comunale di Cagliari. La videocassetta venne poi commercializzata a partire dal mese di settembre 2001 dalla medesima casa editrice attraverso la propria rete di distribuzione nazionale. Lo spettacolo fu repli- cato successivamente nel mese di Dicembre 2002 nello stesso Auditorium Comunale di Cagliari. Nonostante tutta la mia buona volontà certamente non ero ben preparato per lavorare sui banchi audio, ma lessi di un corso per tecnici audio, e con entusiasmo decisi di parteciparvi allo scopo di approfondire le mie nozioni teorico-pratiche, e che mi diede occasione di conoscere professionisti che lavorano anche in campo interna- zionale. Nel 2003, iniziò la preparazione del nuovo spettacolo “WEBBER HIGHLIGHTS”, un tributo ad uno dei più grandi autori di musical, il maestro Andrew Lloyd Webber; la Compagnia propose perciò una fantasia di brani tratti dai più famosi musical di Web- ber quali CATS, THE PHANTOM OF THE OPERA, WHISTLE DOWN THE WIND, EVITA e JESUS CHRIST SUPERSTAR. Lo spettacolo, realizzato in forma semiscenica fu rappresentato in- teramente dal vivo, con l’orchestra, il coro, i cantanti e i ballerini, debuttando il 9 otto- bre dello stesso anno al Forte Village di Pula in occasione del convegno internazionale “Sardinia 2003”. Durante un concerto capii che avevo delle lacune nel sentire gli stru- menti e così grazie a un passa parola venni a conoscenza dell’esistenza di un corso di Laurea breve in Musica e Nuove Tecnologie, presso il Conservatorio; Devo ammettere di aver trovato quello che cercavo. Il sogno di stare davanti al banco audio cominciò ad avverarsi. Fui contattato per la registrazione live di una banda musicale al com- pleto, successivamente per un concorso provinciale e poi per un concerto estivo. In seguito nacque il “progetto HAIR”, così iniziò la preparazione di un altro evergreen che ha segnato la storia del musical per la sua dirompente trasgressività e la forte carica innovativa. (“Hair” di James Rado, Gerome Ragni e Galt Mc Dermot). Lo spettacolo, realizzato anch’esso interamente dal vivo, debuttò il 6 ottobre 2005 al Forte Village di Pula in occasione del convegno internazionale “Sardinia 2005”, con replica al Teatro Civico di Sinnai nel mese di maggio e di novembre 2006. Il mio compito fu sempre il controllo del sistema radio microfonico.

Marco Zuncheddu Ambientazione di organismi sintetici, per suoni elettronici Il brano vuol essere una rappresentazione elettronica del comportamento organico e vitale dei suoni. Si è cercato di lavorare con maggior ricercatezza pensando di im- medesimarsi in una sorta di “ambiente virtuale” dove indeterminati accadimenti ge- nerassero dei suoni aventi un proprio impulso vitale, una sorta di ciclo dove il suono nasce, sviluppa/sfoga il suo comportamento dinamico e infine muore lasciando spazio al prossimo evento (o ciclo). Il susseguirsi è a volte frenetico altre volte più equilibrato, come se ciò che si sentisse altro non è che una sorta di rappresentazione di un ecosi- stema idealizzato formato da uno o più organismi sintetici che interagiscono tra loro e tra quell’ambiente virtuale in cui vengono fatti muovere e “vivere”.

Videolight

Elio Martusciello

Nato a Napoli nel 1959 è musicista e compositore autodidatta. Egli insegna “musica elettronica” al conservatorio di Cagliari. Ha ottenuto premi, menzioni e selezioni in competizioni internazionali come: “Grands Prix Internationaux de Musique Electroa- coustique” a Bourges con “Limite inferiore sinistro”-1994, “Movimento quietudine”- 1997, “Proiezioni”-1997, “Cattura magica”-1997, “Wave”-1999, “A@Traverso.it”-2000, “Presenti successivi”-2003, “Proiezioni”-2004, “Aesthetics of the machine”-2005; “Luigi Russolo” a Varese con “Cthulhu”-1991, “Anamnesi”-1992, “Ambra”-1994; “Phonurgia nova” a Arles con “Peut-être”-1997; “CIMESP” a S. Paolo del Brasile con “HZ – Limits of the Technology”-2001. Ha partecipato a festival, concerti, presentazioni, conferenze, residenze e commissioni in università, associazioni e centri di ricerca come: GRM (Paris), Synthèse (Bourges), Henie Onstad Arts Centre (Oslo), PANaroma (São Paolo do Bra- sil), Connecticut College (New London-USA), Korean Electro-Acoustic Music Society (Seoul), “Inventionen 2000” Berliner Festival Neuer Musik (Berlin), Zeppelin (Barcelona), GMEM (Marseille), Festival for ny musikk “Music Factory” (Bergen), Institut für Neue Musik und Musikerziehung (Darmstadt), Rien à voir (Montréal), Césaré (Reims), Dal Niente Projects (London), EMS – Festival (Stockholm), L’espace du son (Bruxelles), Interzona (Verona), IMEB (Bourges), ecc… Oltre ad essere compositore elettroacustico, egli ope- ra dal vivo con “live-electronics” ed ha collaborato con musicisti come: Eugene Cha- dbourne, Mathieu Chamagne, Ellen Christie, Alvin Curran, Michel Doneda, Wolfgang Fuchs, Pascal Gobin, Michel Godard, Fernando Grillo, Thomas Lehn, Jean-Marc Mon- tera, Jerome Noetinger, Richard Nunns, Tony Oxley, Roberto Paci Dalo, Evan Parker, Walter Prati, Giancarlo Schiaffini, Frank Sculte, Michael Thieke, Olivier Toulemonde, Gio- vanni Trovalusci, Z’ev, ecc. Egli è membro fondatore di “IATO” (collettivo di musicisti), “IXEM” (Italian eXperimental Electronic Music) e “BOWINDO” (una nuova label italiana di musica sperimentale fondata con Giuseppe Ielasi, Domenico Sciajno, Alessandro Bosetti, Valerio Tricoli e Renato Rinaldi). E’ membro del gruppo di musica elettroacu- stica OSSATURA (con Fabrizio Spera e Luca Venitucci), del duo interattivo di musica elettroacustica SCHISMOPHONIA (con Mike Cooper), del gruppo d’improvvisazione elettroacustica “TAXONOMY” (con Graziano Lella e Roberto Fega) e del nuovo grup- po elettroacustico “BINDOU ENSEMBLE” (con Ana-Maria Avram, Chris Cutler, Rhodri Da- vies, Iancu Dumitrescu e Tim Hodgkinson).

Aesthetics of the machine. Il campo di frequenze audio costitutive di questo lavoro è fuori delle possibilità percettive del nostro sistema uditivo; esse, infatti, sono sistemate nell’area degli ultrasuoni (sopra i 20kHz) e degli infrasuoni (sotto i 16Hz). Per l’intera durata del lavoro questi suoni sono generati al massimo volume disponibile per i si- stemi digitali (0dB). Questa composizione risulta così essere totalmente piena, satu- ra, senza dinamiche, con un livello di volume che coincide sempre con il «fortissimo», ma che appunto si sviluppa in un’area dove è esclusa proprio la percezione umana. Cosa rimane al nostro ascolto? Solo il silenzio? Tutto quello che invece noi percepia- mo in questo lavoro, sono solo scarti audio, derive sonore, interamente frutto dei limiti della tecnologia, del nostro apparato uditivo; tutto ciò che casualmente nasce dalle interferenze, dalle collisioni (la collisione come logica della velocità e dell’incrocio), di queste iperfrequenze. Si ascoltano qui, unicamente, i risultati di questi «incidenti»; i rumori, le avarie, le turbolenze che generano gli stessi sistemi di riproduzione sonora sottoposti a queste sollecitazioni estreme (amplificatori, altoparlanti, filtri, ecc.), le vi- brazioni che provengono dallo spazio esterno inondato di suoni inaudibili (oggetti che vibrano, scricchiolano), il nostro stesso apparato uditivo, il nostro corpo (spesso non è l’orecchio, ma il corpo nella sua interezza che sente e vibra). Questo lavoro può essere considerato come il «luogo dei paradossi», un territorio in cui i limiti del sonoro transitano e collidono. Inversione: il «vuoto» e il «silenzio» sono la conseguenza del totalmente «pieno», del «sonoro totale» (anche se fuori delle nostre possibilità d’ascolto); diversa- mente invece, il suono, il segno, la traccia, vengono fuori interamente dall’instabilità del «tutto-pieno», dal suo collasso, dalle risultanti, da effetti marginali di depressione, da scarti, da turbolenze. Alla fine noi possiamo affermare che quello che noi ascoltiamo qui, è il risultato di una «assenza», di un «vuoto del sonoro», di un suo «non-risultato», del suo fallimento. Interattività e invariabilità: questo lavoro che sembra appartenere all’estetica del «dispositivo di superficie», un’arte di supporto, dunque sempre uguale a se stessa, qui diviene «evento», «opera aperta», interattiva, aleatoria; essa, infatti, è totalmente variabile, dipende dalle scelte dell’ascoltatore (basta girare semplicemen- te la testa di qualche grado per sperimentare un cambiamento drastico nell’ascolto), dal luogo, dagli oggetti nello spazio, dalle caratteristiche dell’ambiente (l’urto, la rifles- sione di queste frequenze estreme creano effetti notevolmente diversi), dal sistema di riproduzione e dalla sua regolazione (modificando leggermente il tono si passa dal silenzio ad un suono violento, robusto, energico, vigoroso) e infine dalle stesse caratte- ristiche anatomico-fisiologiche dell’ascoltatore (il carattere limite di queste frequenze produce in un ascoltatore la sensazione di un suono particolaremte intenso, insop- portabile e, magari contemporaneamente in un altro, la percezione del silenzio più totale, profondo). Concreto-elettronico: in questo lavoro è possibile ascoltare il suono concreto (scorie, residui, vibrazioni) di materiale audio di origine totalmente sintetica. Questo lavoro si posiziona su di un limite ambiguo, all’interno di una linea enigmati- ca, ai bordi di due paradigmi; infatti, esso allo stesso tempo risponde ad una logica radicalmente «concreta» e ad una forma di purismo «elettronico». Dunque…un puro suono oggettivo (semplici onde sinusoidali), pieno, inorganico, inespressivo, oltre-uma- no, tagliente, affilato, metallico, estraneo (un’esperienza limite che può anche essere tossica, dannosa, nociva…ma non solo per l’uomo, anche per le macchine). Bene, quello che noi ascoltiamo in questo lavoro è il punto d’incontro (scontro, incidente) tra l’uomo e la sua estensione (amputazione) tecnologica. Esso ci mostra, ci consente di «sentire», intensifica, quella zona d’ombra, oscura, cieca, perturbante, situata tra l’uomo e la macchina, e che in fondo è al di là dalla nostra mente, fuori dal nostro pensiero. Il video in “aesthetics of the machine”, naturalmente, non è il risultato di un romantico contrappunto al dato sonoro, una sua narrazione visiva, ma si tratta unica- mente di sinestesia tecnologica. Specularità matematico-elettroniche, il transito sim- metrico di informazioni da un registro sensoriale (l’udito) all’altro (la vista). Si tratta di un algoritmo che ci mostra semplicemente la “fase” del suono, che ovviamente qui non può che essere anomala, fuori dalle rappresentazioni ordinarie…una eccentrica fisica, nel dominio della fase, che sembra qui essere dotata di una volontà o di un desiderio estetico totalmente autonomo, che si ostina a produrre forme, oggetti, che roteano, si rincorrono, saltano, s’incastrano e si dileguano…quasi a raccontare una storia.

Roberto Musanti

Nato a Cagliari l’11 Dicembre 1964, docente e musicista elettronico, diplomato in Mu- sica e Nuove Tecnologie al conservatorio di Cagliari, prevalentemente autodidatta, si occupa di computer music dai primi anni ottanta come studioso e compositore. La- vori: “Urto anelastico”, “TecnoKaos”, Teatro Akroama (Monserrato, 1986-87); “Il Sogno di Weimar”, Teatro Comunale (Cagliari, 1987); “Kyklos”, Cripta S. Restituta (Cagliari, 1988); “Assenza Ingiustificata”, Galleria Intergrafica (Cagliari, 1990); “L’Ultimo nastro di Krapp”, Teatro Palazzo D’Inverno (Cagliari, 1996); Selezione, al 18° concorso interna- zionale di musica elettroacustica “L. Russolo” (1996); “Pagan Muzak”, Galleria Ope- ra Nuda (Amsterdam, 1999); Concerto, progetto, coordinamento e docenza Festival “Microonde” – E.R.S.U. (Cagliari, 1999, 2000); Pubblicazione del disco “Deep Engine” – Small Voices Edition (2003); Partecipazione e consulenza artistica e organizzativa al Fe- stival “Kontakte” – Exmà / Chiesa S. Chiara (Cagliari, 2001/2/3/4/5); Festival “Evenienze – Konsequenz” (Napoli, 2004); “Postales sonores d’Italia” Festival “Zeppelin”, in colla- borazione con CEMAT – Progetto SONORA, CCCB (Barcellona, 2004); Festival “Musica Viva” – concerto CIME – Teatro “Aberto” (Lisbona, 2004); Festival “Electronicittà” (Mar- siglia, 2005); “Digital Lutherie improvisation” e direzione Festival “Music in Touch” – ExMà (Cagliari, 2005); Concerto del decennale CEMAT – Goethe Institut (Roma, 2006).

Video: “Timeshift” – dvd pal – durata 18’:30’’ – B/N “Timeshift” è il nome dato ad una funzione presente nei dvd/hdd recorder che con- sente di differire nel tempo la fruizione di una trasmissione televisiva in onda. Le tecno- logie digitali cercano di dare, attraverso le loro potenzialità, l’idea di padroneggiare il tempo e lo spazio, ma è solo una illusione, la realtà è che tali mezzi, sempre più autoreferenziali, consentono semplicemente di giocare con una realtà virtuale, da essi stessi generata, che sempre meno ha che fare con la realtà reale e ancora meno può controllarne il tempo e lo spazio. Questo lavoro rappresenta una riflessione su tale fenomeno, in esso le immagini di stabilimenti industriali e minerari abbandonati, sono montate secondo una “logica” di “Timeshift”, nel tentativo di far emergere, dalla con- trapposizione tra la staticità immanente delle immagini e la loro articolazione tempo- rale in continuo movimento, la contraddizione insita nell’ inganno tecnologico e tec- nocratico. La musica si trova in un rapporto di asincronia con l’immagine, tale scelta straniante è legata alla volontà di non trasformare il lavoro, che è in fondo “tragico” e di “denuncia” di meccanismi disumanizzanti e alienanti, in merce da intrattenimento ludico o peggio ancora in comfort consolatorio.

AudioVideo

Marco Meloni

Diplomato all’Università della Musica di Roma in Pianoforte Moderno e Tastiere Elettroniche. E’ diplomato, inoltre, in Musica e Nuove Tecnologie presso il Conservatorio “G. Pierluigi da Palestrina” di Cagliari. Insegna Pianoforte Moderno presso la Scuola Civica di Musica di Cagliari, ha collaborato con altre Scuole Civiche della Sardegna ed è in- segnante e socio fondatore dell’Associazione Culturale CDMI Music School di Cagliari. In qualità di pianista e tastierista si esibisce in diversi contesti: concerti, rassegne, saggi e seminari, con un repertorio che va dalla musica elettronica al blues, jazz, funk sino alla musica brasiliana e al pop. Ha all’attivo la partecipazione a diverse produzioni disco- grafiche e multimediali. E’ titolare di uno studio di registrazione e frequenta il biennio di specializzazione in Musica e Nuove Tecnologie presso il Conservatorio di Cagliari.

The Subworld” trae spunto dalla riflessione su alcune delle opere di Piet Mondrian, artista attratto dai rapporti ortogonali in pittura e nella musica. Il brano contiene i suoni delle macchine, che a volte si sentono non solo con l’udito ma anche con il resto del corpo, e i loop ritmici, scheletrici e perfetti, contrapposti a scure macchie di colore contenenti crepitii digitali, sinusoidi agli estremi dello spettro audio e poi ronzii, sub- frequenze ed “errori”, ovvero “blips” non eliminati volutamente. Sono presenti nella composizione elementi individuabili nel pensiero musicale di Mondrian: la presenza del suono prodotto dal calcolatore, sebbene si tratti di una macchina diversa da quella a cui si riferiva l’artista più di sessant’anni fa, l’utilizzo di suoni puri ottenuti attraverso sinusoidi, il ritmo “dinamico”, ovvero un ritmo che ripetendosi si rinnova, mantenendo inalterato il suo schema (la propria “ortogonalità”) ma che allo stesso tempo presenta numerose macro/micro variazioni. Il testo utilizzato nel video è di David Toop, studioso inglese di fenomeni sonori, che ragiona sul fatto che, oltre alla sinestesia tecnologica audio-video, si possa creare un esperienza multi sensoriale qualora le frequenze agli estremi della banda audio siano percepite non solo attraverso l’udito ma anche dal resto del nostro corpo, con la pelle, lo stomaco e le vibrazioni avvertibili nel petto. The subworld… is an environment which registers on our perception at the level of sensa- tion, displaced effect, a suspicion of the other existence. In a similar way, sub-frequen- cies can register as tremors in the chest and stomach, rather than audible sound. Il submondo… è un ambiente che la nostra percezione registra a livello di sensazione, (producendo) un effetto di spaesamento, il sospetto di un’altra dimensione esistenzia- le. In modo analogo, le sub-frequenze si rivelano come tremori nel petto e vibrazioni nello stomaco, piuttosto che come suono distinto e percepibile con l’udito. (David Toop, Electric Dreams: Shamanism, Music Intoxication)

Mauro Mulas

Nasce a Nuoro il 31/05/1977. Inizia da bambino lo studio del pianoforte e frequenta per quattro anni i seminari jazz di Nuoro con vittoria di relative borse di studio. Ha approfon- dito lo studio sull’improvvisazione jazzistica con Paolo Fresu e l’analisi musicale del jazz con il musicologo Marcello Piras, oltre che gli studi sul piano jazz con i pianisti Roberto Cippelli e Peter Waters. Studia presso il conservatorio di Caliari, con conseguimento del compimento inferiore di composizione sotto la guida del Maestro Franco Oppo nel settembre del 1999, e il diploma di laurea in musica e nuove teconogie con Elio Martusciello nel febbraio 2005. Ha collaborato con il Centro Sardo Studi e Ricerche in qualità di tecnico del suono e curatore del live electronics in numerosi concerti, tra i quali la Missa Eulaliae (con mu- siche di Marcello Pusceddu), prendendo inoltre parte a numerose esibizioni in qualità di esecutore. Ha tenuto vari concerti in ambito jazzistico, tra i quali l’esibizione nel 2004 nel corso della rassegna “Time in Jazz” a Berchidda, oltre alle esibizioni nella rassegna “Narcao Blues” nel 2003 e nel 2006, e la collaborazione come pianista e tastierista con numerose bands locali.

Vettore Questo video è nato dall’idea di una vita frenetica e monotona, tanto da arri- vare a paragonare quest’ultima, nella sua totalità, ad un unico e contorto vettore. La monotonia e la mono-direzionalità diventano quindi i motivi principali di questo lavoro. Tale idea di base sarà infatti resa da frenetiche e accelerate immagini in bassa fedeltà da un lato, ed uno sfondo sonoro monocromatico scandito da una ostinata e mono- tona pulsazione ritmica costante dall’altro. Qui l’aspetto audio e quello video si amalgamano perfettamente con legami casuali e non casuali, che, comunque, rendono perfettamente l’idea di un fluire inconscio, dove il commento sonoro si pone come l’elemento unificante del flusso di immagini raffigurate, dando ad esse continuità.

Antonello Mura

Ha conseguito il Diplomi Accademici di Musica Elettronica e Pianoforte presso il Con- servatorio “G. P. Da Palestrina” di Cagliari, dove ha studiato anche Composizione. Ha conseguito la Specializzazione post-lauream in Didattica Indirizzo Musica e Spettacolo presso l’Università degli Studi di Cagliari. Ha debuttato come compositore nel 1985, nel- l’ambito del Festival Internazionale di Musica Contemporanea “Spazio Musica”, col brano per pianoforte “ALIQUID AD BACH PERTINENS”, pubblicato nel ‘90 dalla Casa Editrice EDIPAN di Roma. Nel 1986 ha frequentato, come allievo effettivo, il Corso di Alto Perfezionamento Pianistico tenuto a Cagliari dal M° Sergio Perticaroli. Nel 1987, con la composizione “CHEZ MAURICE” per flauto e pianoforte, é stato premiato in occasione della Rassegna per Giovani Musicisti tenutasi presso il Palazzo Barberini di Roma. Oltre ai due brani già citati, ha scritto numerose altre composizioni che sono state inserite nei programmi di altrettanti concerti eseguiti da interpreti rinomati. Fra queste composizioni si citano: “Chanson”, “Preludio”, “A Death blow”, “Varcando i confini del sogno”, “Café chantant”, ecc.. Negli anni 1988/89 ha frequentato il Corso CEE organiz- zato dall’Istituzione dei Concerti e del Teatro Lirico “G. P. Da Palestrina” presso il quale nel 1993 ha fornito le sue prestazioni professionali in qualità di Maestro Collaboratore. Dal 1980 al 1994 ha prestato servizio in qualità di Docente di Educazione Musicale alle dipendenze del Ministero della Pubblica Istruzione. Dal 1996 al 1998, dietro nomina del Ministro dello Spettacolo, ha ricoperto la carica di Consigliere d’Amministrazione dell’Ente Lirico in rappresentanza del Comune di Cagliari. Nel 2002 ha svolto, in qualità di docente, un seminario di Informatica Musicale denominato “Sinfonie Cibernetiche” presso l’Istituto Comprensivo Statale “G. Manno/F. Alziator” di Cagliari, incentrato sul- l’apprendimento delle tecniche di video-scrittura musicale e di Sintesi ed elaborazione del suono elettroacustico. Nel 2004 è stato premiato al Concorso Nazionale “Onde Musicali” di Taranto con la composizione per Musica Elettronica “Immense Oniriche Distese”. Nel 2004, per conto dell’Istituto di Formazione Nouss, ha tenuto un Corso di aggiornamento (Laboratorio Musicale) rivolto agli Educatori di soggetti portatori della Sindrome di Williams, nell’ambito del progetto di Ricerca Scientifica finalizzata del Mi- nistero della Salute. Nell’estate del 2005 ha collaborato col compositore americano Alvin Curran nella realizzazione dell’evento musicale “Nora Sonora” presso il sito ar- cheologico di Nora. Nel 2006 ha collaborato come compositore nell’ambito della “VIII settimana della cultura” organizzata presso la Cittadella dei Musei di Cagliari. Stomatosound È la bocca la protagonista di questo lavoro multimediale. La bocca e i suoi suoni; quelli che essa può produrre al di fuori del contesto linguistico di una lingua parlata, (fonemi compresi), del canto, o di qualsiasi convenzione comunicativa codi- ficata, con l’unica eccezione costituita da alcuni accenni di “gramelot”, (simulazione del parlato di derivazione teatrale), al quale, però, ho cercato di non conferire conno- tazioni idiomatiche precise. Questa composizione risponde al bisogno di riappropriarsi, anche se in modo simulato, della propria espressività vocale, avvalendosi dell’ausilio della macchina, ma confrontandosi attivamente con essa, senza perdere il rapporto diretto con la propria fisicità. Macchina e corpo dialogano virtualmente fra loro, si confrontano, si affrontano nel tentativo di rubarsi reciprocamente la scena. Rapide sequenze di bocche umane virtuali si susseguono scomposte, sovrastando il cangian- te, narrativo fluire di una bocca altrettanto virtuale, ma simbolica, rappresentata da un cerchio fluttuante dotato di ugola concentrica che si allarga, si restringe, e da cui sembra scaturire la voce sottoforma di improvvise implosioni ed esplosioni luminose, che spesso anticipano l’emissione vocale delle bocche reali, o si sovrappongono ad essa completandone il percorso temporale. Il virtuale nel virtuale: in cui si sviluppa un dialogo strettissimo tra un’immagine naturale, (seppur virtuale), ed una totalmente vir- tuale; “macchinica”, fra le quali, col crescere della tensione, s’instaura un rapporto di reciproca seduzione che si traduce in una sorta di propensione emulativa: l’immagine simbolica (macchinica) tende a sovrapporsi a quella reale, la quale, a sua volta, sem- bra volersi reincarnare nel linguaggio macchina, scomponendosi in pixel.

Alessandro Olla

Si interessa al suono e alla musica dall’età di 5 anni, studiando pianoforte e registrando sin d’allora panorami sonori con un vecchio radioregistratore Grundig. Dopo aver se- guito gli studi classici in pianoforte, e musica elettronica, si distacca da una visione ac- cademica della musica per iniziare un percorso artistico attraverso la sperimentazione, l’improvvisazione e l’elettronica, svolte non solo in campo musicale ma anche teatra- le e nella videoart. Parallelamente porta avanti la passione per la didattica, soprattut- to nell’ambito dei laboratori interdisciplinari di musica teatro, tramite la quale ha avuto modo di specializzarsi nel rapporto tra musica-linguaggio-poesia, interessandosi e la- vorando a progetti di sperimentazione vocale. Particolarmente attento all’interazione della musica con altre forme artistiche, dagli esordi si dedica ad una costante attività in campo teatrale come compositore di musiche di scena e performer. Dall’incon- tro con il teatro deriva un vastissimo numero di rappresentazioni in cui suona dal vivo ora come esecutore, ora come improvvisatore. Cura inoltre anche la regia in diversi spettacoli. Ha collaborato con molti registi teatrali tra i quali Mario Martone, Dario Fo, Marco Carniti, Francesco Saponaro, Carla Tatò, Francesco Origo, Mario Faticoni. Ha suonato con musicisti di spicco nella scena contemporanea quali Tim Hodgkinson, Jean Marc Montera, Elio Martusciello, David Shea, Yo Casino, Llorenc Barber, Victor Nubla, David Toop. Fortemente affascinato dal rapporto suono-spazio, ha realizzato numerosi interventi di sonorizzazione di siti archeologici e luoghi di particolare interesse architettonico. Dal 1998 porta avanti alcune performances musicali e teatrali di cui è autore, nate fondamentalmente da un lavoro di ricerca sull’improvvisazione e frutto di tutta l’esperienza maturata finora. Ha realizzato musiche per film e documentari spettacoli di danza e teatro e suonato all’interno di rassegne come il Festival GRAM (Marsiglia 2003-2005), il Festival di musica contemporanea “SpazioMusica” (Cagliari 2003,) e il Festival d’improvvisazione di Poitiers (Francia 1999).Superfici Sonore (Firen- ze 2004), Festival LEM (Barcelona 2005). Tra gli altri:performances di improvvisazione tenute a Parigi (2003)- Dakar giugno 2004-San Francisco e San Diego (CA) ottobre 2004- Grenoble- Londra maggio 2006- Contatti contact@aleolla.it www.aleolla.it Invisibile Lands “Con le scarpe dell’ infanzia, con gli occhi del dopo, attraverso campi di fiori recisi, a piccoli passi, in cerca di nuvole, in attesa del nulla.”

Daniela Zedda

Diplomata in Pianoforte e in Musica Elettronica al Conservatorio G.P.da Palestrina di Cagliari attualmente frequenta il II anno del Biennio di specializzazione del corso di Laurea in Musica Elettronica – ind. Tecnologico al Conservatorio di Cagliari. Nel 2004 ha curato la realizzazione e la regia musicale dell’installazione sonora Il Suono Elettroni- co – Multimedialità trasversale Musica-Teatro Danza e la realizzazione dell’Installazione Multimediale Fasce Sonore presentata in diverse gallerie d’arte del circuito locale. Nel 2005 ha curato le installazioni sonore presentando inoltre il lavoro audio-video Libertà a parole in occasione della rassegna di Arti Visive Zone Parallele presso la galleria d’arte La bacheca a Cagliari. Nel 2006 ha composto il brano elettronico Wam-Mate- riale d’autore per la sonorizzazione dello spazio del Museo Archeologico Nazionale di Cagliari in occasione della Settimana della Cultura 2006 indetta dal Ministero dei Beni e delle Attività Culturali.

Il lavoro audio-video Fasce Sonore prende il nome dall’omonima installazione multi- mediale realizzata nel 2004 che prevedeva l’interazione tra musica elettronica, arti vi- sive, teatro e danza contemporanea presentata in diverse gallerie d’arte del circuito locale. Il video segue un principio di smascheramento della danzatrice che si disvela nel corso del tempo, la presenza di oggetti e parti del corpo che non riconducono alla danzatrice ma vengono intuiti come oggetti estranei mettono in evidenza solo aspetti astratti e non ricollegabili inizialmente ad un performance di danza. La sonorizzazione completamente rielaborata rispetto al lavoro originario è volta a creare nel rapporto suono-immagine nuove possibilità di interazione dei diversi piani espressivi. Il respiro, la sorpresa, la velocità, la lentezza e il disvelamento del soggetto e dell’oggetto giocano su un rapporto visivo oggetto-soggetto e uditivo rumore-suono che costruiscono una performance nella performance.

InteractiveVideo

Lidia Casti

Durante un periodo di studi trascorso in Cina (5 anni) presso l’Università di Pechino, avvia una collaborazione con Rai1(1992/’94) nella produzione del Documentario LA LUNGA MARCIA, in sei puntate, curato da Enzo Biagi e prodotto da Franco Iseppi, sulla nuova Cina e la Lunga Marcia di Mao. Continua a lavorare nel campo televisivo collaborando alla produzione di altri documentari tra cui uno sui monaci buddisti di Shaolin per Canale5 (1995) e uno sulle città di Pechino e Shanghai per la serie di videocassette “Le città del mondo” della casa Editrice De Agostini (1994). Dal 1997 al 1999 fa parte della redazione della trasmissione di Rai Educational, in onda sul canale tematico satellitare RaiSat3, “Mosaico: una mediateca per la scuola” e negli anni successivi si occupa di video e multimedia didattico collaborando alla progettazione di dvd di formazione aziendale per Factorit e INAIL (Dida*El) e partecipa all’organizzazione multimediale del museo archeologico di Castellina in Chianti. Attualmen- te collabora con la Casa di produzione URIHI (www.urihi.org) nella realizzazione di docu- mentari sui Paesi in via di sviluppo (Intrecci, magazine televisivo mensile sui problemi dello sviluppoeirapportitranordesuddelmondo)econArcoiris TV(www.arcoiris.tv).

Film

GRAMMA

Un film di Grégory Petitqueux 2005, video colore, Stop motion film, circa 60mn.

Scritto da Gregory Petitqueux (Francia) e Tuia Cherici (Italia). Realizzazione, montag- gio e sonoro: Gregory Petitqueux Collaborazione alla realizzazione : Tuia Cherici Effetti digitali video: Simone Lecca, Gregory Petitqueux Musiche: Danilo Casti (OOFF.OURO) Autoprodotto.

Soggetto: Una riflessione sulla solitudine e la creatività. Un’allegoria della pulsione rei- ficatrice che spinge l’uomo a sostituire alla natura indeterminata il prodotto del suo bisogno di rappresentazione. Il sistema chiuso, il mondo artefatto di un film girato con pupazzi come parabola della realtà.

Sinossi: Gramma è un pupazzo di ferro, legno e bulloni. Vive in mezzo alla fauna bizzara di un mondo desertico, brullo e sterile, sovrastato da un cielo senza nuvole. In questa terra desolata, sopravvivono segni e tracce di civiltà oramai ritirate o addirittura scom- parse. Anche la conformazione astronomica di quest’ambiente sembra essere stata sconvolta: la notte inizia quando la luna oscura il sole e finisce quando se ne allontana. Ogni sera, quando quest’ eclisse getta il mondo in una tempesta di luce innaturale e letale, Gramma corre al suo rifugio-casa. Là, aspetta che si calmi il cataclisma ed arrivi la notte per poter finalmente proseguire, nel suo laboratorio, la realizzazione dei suoi progetti. La musica: La realizzazione di Gramma si è svolta con l’intenzione di diventare un evento aperto ad una collaborazione musicale dal vivo. Il desiderio era quello di fare della proiezione un momento che fosse coerente con l’artigianalità con la quale è stato realizzato il film. E’ così che una volta compiuto il film, abbiamo realizzato un tour in diversi paesi dell’est europa, proiettando Gramma con i rumori realizzatti da Gregory Petitqueux sopra i quale Danilo Casti sperimentava per ogni replica nuove soluzioni musicali. Data dopo data abbiamo abozzato quella che dopo un’ulteriore fase in studio è diventata la colonna musicale definitiva del film (vedi pubblicazione sul netlabel Pitjamajusto). La realizzazione Stop-motion film, realizzato con pupazzi e scenografie. Rumorizzato, senza dialoghi. Realizzato in S-Vhs, super8 e miniDV. Film totalmente autoprodotto e creato artigianalmente in 4 anni di lavoro con materiale di recupero, un microfono, una telecamera e una stazione di montaggio digitale ‘consumer’.

AreaPerformance

Nicola Cogliolo

Laureando al triennio di “Musica e Nuove Tecnologie” presso il Conservatorio Giovanni Pierluigi da Palestrina di Cagliari. Ha partecipato a seminari tenuti da Ivan Fedele e Alvise Vidolin, al concerto Nora Sonora diretto da Alvin Curran e Music in Touch 2005, nonchË a varie esibizione della classe di MNT. Dal 2005 tiene corsi di tecnica del suono e postproduzione audio-video.

Game Lan per percussioni e suoni elettronici

Alessandro Atzori

Batterista percussionista, diplomato presso The Planet Drum School di Londra. Ha par- tecipato come docente a The Rhythm Sticks Festival presso la Royal Festival Hall di Lon- dra. Attualmente tiene corsi di batteria e percussioni presso la scuola civica di TortolÏ.

Gianni Delogu

Diplomato in pianoforte a Cagliari con A. Tangianu e in musica elettronica a Parma con F. Giomi, partecipa come compositore a numerose manifestazioni in Sardegna e nella penisola nelle città di Cagliari, Nuoro, Sassari, L’Aquila e Parma. Ha al suo attivo musiche per prodotti multimediali, documentari e cortometraggi; ha composto le mu- siche originali per il CD multimediale Il regno di Torres e ha collaborato alla colonna sonora del documentario di Giovanni Columbu Storie brevi.

Note alla performance

PERFORMANCE 1

La performance si basa sul trattamento in tempo reale di materiali sonori prodotti da oggetti e strumenti e già sottoposti ad elaborazione. Le risonanze di una chitarra elet- trica costituiscono l’ambiente-spazio acustico per un’improvvisazione condotta come esplorazione e sperimentazione delle sonorità ricavabili da sequenze, sovrapposizioni ed elaborazioni dei materiali ottenuti. La performance è a cura di Gianni Delogu e Ivana Busu.

AcusmaticArea

Ivana Busu

Nata a Dolianova (Cagliari-Sardegna) nel 1972. Ha conseguito il diploma di Pianoforte e Didattica della Musica presso il Conservatorio di Musica “G. P. da Palestrina” di Cagliari. Ha ottenuto il diploma di Musica Elettronica con il massimo dei voti sotto la guida del mae- stro Francesco Giomi, presso il Conservatorio di Parma “A.Boito”. Frequenta il corso supe- riore di Musica Elettronica (indirizzo Nuove Tecnologie) con il maestro Elio Martusciello al Conservatorio di Musica “G. P. da Palestrina” di Cagliari. Con i suoi lavori ha partecipato a workshop come “Aria-Acqua-Terra-Fuoco”(Centro Tempo Reale-Firenze) e festival come “La Terra Fertile” a L’Aquila, al “Festival Futura 99” (Crest), al “Festival Ecùme” (Genova 1999), al “1° festival di musica acusmatica” (Cagliari 2004). I suoi lavori sono stati eseguiti in rassegne di musica contemporanea ed elettroacustica come “Fabbrica Europa 2005” (Firenze), “Le serate musicali” (Bologna), “Vedere i suoni” (Museo Man-Nuoro), concerti del Conservatorio di Musica di Bologna, Cagliari, Parma, Sassari, “Electroacustic view from Italy” (Syracuse University), “Visionaria” (video festival internazionale- Siena), “Invideo 2000” (Mostra Internazionale di video d’arte e ricerca- Milano), “Progetto musica 2000” (Roma). Dal 2003, insieme con altri tre compositori (M. Dibeltulu, S. Ferrari e F. Giomi) compone le musiche per l’Opera-Videogioco Iconoclast Game di Lorenzo Pizzanelli. L’opera, presen- tata nello spazio espositivo BZF della casa editrice Vallecchi di Firenze, viene lanciata via Internet nel sito www.iconoclastgame.it. Successivamente presentata al Festival Fabbri- ca Europa – ex stazione Leopolda di Firenze; Biennale di Venezia on-line; Museo Guttuso – Villa Cattolica di Bagheria (PA); Accademia di Belle Arti di Palermo; Poggio Imperiale, Firenze; Daniele Ugolini Contemporary, Firenze; Stazione Centrale di Santa Maria Novella – FirenzEstate 2004, Firenze; Museo d’Arte Contemporanea, Mosca (Russia); Stazione Ter- mini, Roma (2006); Museo Boncompagni Ludovisi, Roma (2006); Fiera Internazionale d’Ar- te Contemporanea Shangai (Cina, 2006) Duolun Museum di Shanghai (novembre 2006). Ha ricevuto una menzione d’onore al XXII Concorso Internazionale “Luigi Russolo” 2000 (Varese). Finalista al 27° Concorso Internazionale di musica e arte sonora elettroacustica Bourges 2000 – (Francia).

A proposito di Cooper

Il brano A proposito di Cooper si ispira alla composizione Beach Crossing di Mike Cooper, utilizzando alcune frasi o parole del testo e descrivendo ambienti naturali che ricordano paesaggi dell’Oceania. Sono evocati luoghi lontani, dove avvennero in tempi passati incontri tra diverse etnie, alcune per imporsi alcune per difendersi ma con un elemento comune: la paura dell’ignoto, la paura del diverso. I suoni ambientali si intrecciano con i suoni umani, il rumore del mare si confonde con l’urlo della morte.

Visulal LiveAct

ARPXP (aka Arp Experiment) (Simone Deiana), Arpxp è un dj/producer sardo con all’attivo numerose release con la sua ex crew, SMOKE (su Formation, Reformed, Signal .. ) e da solista su Toughness e a breve, sul- la sua nuova label Artivu Recordings. I suoi set hanno toccato numerose città, da Cagliari, sua base operativa, a Napoli, Roma , Berlino (De), Milano, Londra (Uk), Ancona, Pescara, Wevelgem (Be) Bologna, Verona, nonchè nei migliori festival sardi come Sunandbass, Time in Jazz e Jazz in Sardegna. Ha suonato con i più famosi dj drumnbass quali Grooverider, Shy Fx, SS, John B, Bailey, Randall, Chris Su, Simon Bassline Smith, Keaton, Rascal & Klone e tanti altri .. Ha avviato un progetto chiamato Casteddu Skyline e collabora con Neeva, Sikitikis, Indy e Stalefish, Kantyze e tanti altri. http://www.myspace.com/arpexperiment – http://www.arpexperiment.com

Alessandro Pintus

Inizia la sua attività musicale come dj, più di 17 anni fa, nel contesto della scena rap isola- na. Ex membro della storica formazione crossover Canidarapina, da qualche anno porta avanti il progetto di musica elettronica Plastik Kettle e si cimenta con produzioni per rea- dings, documentari, programmi tv e radio, senza tralasciare il costante impegno con l’hip hop e la passione per lo scratch e la musica fatta col giradischi.

Federico Orrù\neeva

federico orrù\neeva inizia la sua esperienza in campo musicale nel 1994 come dj\produ- cer di abstract hip hop, accostandosi poi alle sonorità tecno\electro negli anni successivi. Prende come riferimento stilistico etichette come reflex, planet mu, cock rock disco, tiger beat six, ecc.; cercando di trovare un punto di contatto tra la sperimentazione più spinta e il contesto dance floor. Impegnato da anni in sonorizzazioni di eventi artistici e live set, suo- na nei più svariati locali del cagliaritano; collabora con etichette come pitjamajusto (net label) e la joint operation records di berlino. il suo piatto preferito è la crostata ai mirtilli.

Agostino Onnis (VJ Signor60)

Producer attivo sotto vari pseudonimi, occasionalmente videoclip-maker e DJ, presente come VJ in numerosissime serate nel cagliaritano e non solo, Agostino è uno che ci crede molto e che cerca instancabilmente di promuovere i lati meno convenzionali della club culture; negli anni ha affiancato alle sue attività anche quella di organizzatore di piccoli eventi dedicati alla diffusione della musica elettronica, facendo affidamento su svariate collaborazioni con DJ, producer e VJ fra i più interessanti della scena underground ca- gliaritana.

Alessandro Pintus

Con Corrado Caocci inizia una collaborazione musicale particolarmente intensa, sempre più orientata alla sperimentazione di suoni e melodie in contesti prettamente elettronici, fino alla nascita del progetto PLaSTiK KeTTLe, ispirato all’universo dei robot e alla passio- ne per i synth. Dentro questa “pentola di plastica” vengono miscelate ritmiche electro a textures ambient e glitch sonori che, scaldati dagli oscillatori dei synth, producono quelle immagini di paesaggi che esistono solo in un mondo armonico di musica e persone.

Nicola Locci – Exagonal Rooms

L’approccio con la musica di Nicola Locci avviene nei primi anni 90, attraverso l’ascolto di rock/metal e l’aquisto della prima chitarra elettrica. Suona in svariate band cagliaritane, affinando la sua tecnica che impronta sempre più verso la ricerca di sonorità sperimentali, allontanandosi dal sound aggressivo del primo periodo. La svolta avviene con l’ascolto di Aphex Twin, grazie al quale scopre nuovi orizzonti nella musica elettronica, che prima ave- va sempre visto con diffidenza. Verso la metà degli anni 90 inizia acquista il primo sequen- cer e nel contempo entra a far parte della band Argentovivo (successivamente chiamati Hybrido), con i quali partecipa a rassegne importanti come Arezzo Wave. Nonostante il discreto successo ottenuto la formazione si scioglie, ma la passione di Nicola per la musica elettronica resta inalterata; nasce così un progetto che mira a fondere la chitarra e basso con la strumentazione tipicamente elettronica: i VIC20, una band in cui abbandona il ruolo di chitarrista per dedicarsi esclusivamente all’utilizzo on stage di sintetizzatori e se- quencer. Come solista ha dato vita ai progetti Modular ed Exagonal Rooms, il primo desti- nato a un ambito prevalentemente da club, il secondo molto vicino invece alle sonorità electro-IDM che hanno influenzato profondamente il suo percorso; collabora inoltre con diversi musicisti, DJ e VJ partecipando ad eventi il cui obiettivo primario è generalmente costituito dalla sperimentazione nel campo audio/video.

Federico De Virgilis (VJ ICS)

Presidente dell’Associazione Videogramma ONLUS, composta da registi indipendenti e dedita alla produzione di cortometraggi, documentari e materiali per rassegne di vario tipo, ha realizzato, per note band del panorama isolano e non solo, diversi videoclip che hanno avuto un discreto successo e una buona circuitazione. Per darsi un tono si dedica anche al VJing, e sotto il nome di ICS ha partecipato a svariati eventi e rassegne; attual- mente collabora con alcune delle più affermate organizzazioni del nightclubbing caglia- ritano.

Signorafranca

Signorafranca è il duo cagliaritano composto da dubmode (Michele Casanova) e man- taraffu (Marcello Cualbu) entrambi impegnati nella produzione audio e video, iniziano l’attività nel 2004 proponendo diversi liveset audio video in alcuni locali cittadini e aprendo la netlabel www.signorafranca.com Sono stati pubblicati fino ad ora 29 releases di produt- tori di musica elettronica di diversi stili, alcuni video, e un DVD distribuito gratuitamente. È prevista la realizzazione di un nuovo DVD gratuito per l’inizio del 2007 e l’avvio della pro- duzione musicale su vinile. Recentemente è stato presentato uno showcase dell’etichetta al Bastione saint Remy di Cagliari, presenti assieme a Carolina Melis nell’edizione del festi- val Enzimi svoltosi a Roma a settembre di quest’anno, sempre a Roma parteciperanno al L.P.M. (live performance meeting) al Linux Club il 24 Novembre.http://www.signorafranca. com; http://www.signorafranca.com/dubmode.htm; http://www.signorafranca.com/ mantaraffu.htm; http://www.signorafranca.com/signorafranca.htm

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